Ganadores
Categoría Fotolibro: La chispa de la vida
La chispa de la vida ofrece un vistazo a los primeros tres años de actividad fotográfica de Roberto Ruiz Laverde (Bogotá, 1953-2009), un arquitecto y creador cuyo archivo fotográfico solo ha comenzado a ver la luz en los últimos años. A partir del encuentro fortuito de una imagen, este libro persigue las revelaciones inesperadas y todos aquellos chispazos que saltan cuando los cabos sueltos de la vida se vuelven a amarrar.
Equipo editorial
Roberto Ruiz Laverde (Bogotá, 1953-2009) fue arquitecto, profesor y creador. Estudió Arquitectura en la Universidad Nacional de Colombia entre 1972 y 1979, y en paralelo a sus estudios se dedicó a ser un prolífico productor de fotografías, esculturas y objetos. Como fotógrafo, tuvo un período de actividad muy intenso en sus años universitarios y, aunque llegó a participar en algunas muestras y concursos, el reconocimiento siempre le fue esquivo. Entre negativos, diapositivas y archivos digitales llegó a tomar unas 50000 fotografías que guardó en estricto orden y no mostró a casi nadie. Desde 2013, su obra fotográfica se ha ido divulgando a través de proyectos con curadores invitados, exposiciones y donaciones a archivos. Además de este libro, sobre su obra fotográfica se puede consultar la investigación de Roberto Ruiz Laverde. El archivo fotográfico de la década del setenta de Enrique Delgado (2021) y el libro Sneak Peek de Ediciones Réplica (2024).
Andrea Triana. A través de su trabajo como editora en Jardín (2010) y Salvaje (2015), se ha permitido trabajar con diferentes artistas llevando sus proyectos al formato impreso con el objetivo de permitir que su obra trascienda la exhibición en espacios artísticos —donde es inalcanzable para el espectador común— a tener la posibilidad de difundirla y acercarla a un público más amplio, traspasando las fronteras de los circuitos artísticos convencionales. En este proceso ha trabajado en la conceptualización, diseño y producción de más de 50 publicaciones en las que ha explorado la materialidad del libro como elemento clave dentro del proceso editorial. Con su editorial Jardín, ha editado los fotolibros: Jardines de Valeria Giraldo, Esquina rosa de Miguel Ángel Rojas, Coqueta con la fundación Arkhé y, para la galería La Cometa, el libro El orden justo del fotógrafo español Juan Baraja. Fue ganadora de la residencia internacional de fanzine o libro de artista en Nueva York, Estados Unidos del Programa Distrital de Estímulos de Idartes en 2022, en donde autoeditó el fanzine de fotografía Soles, planetas, galaxias.
Por otro lado, por medio de NADA, espacio que dirige desde el año 2014, se ha abierto a los procesos editoriales de otros, nutriendo los propios. Siendo receptora de aquello que pasa en otros lugares, otras ideas y formas de hacer, logrando crear un puente entre la producción editorial artística local y la de otros países como Brasil, México, Perú y España.
Federico Ruiz Carvajal. Arquitecto de la Universidad Nacional de Colombia con una maestría en urbanismo de TU Delft (Holanda). Tiene experiencia en proyectos culturales y de divulgación académica, como la producción y curaduría exposición Ciudad Isla, realizada en el Museo de Arquitectura Leopoldo Rother de la UNAL en 2019, la escritura del guión museográfico para la Mansión Echeverri, la casa y estudio del artista Juan Pablo Echeverri, en 2024, la edición de textos e imágenes de la revista Remanente 14 El baño rojo de Gráficas Molinari y la edición de contenido y escritura del libro Ciudad Isla, de próxima publicación (en 2025) por la Universidad Nacional de Colombia y Compensar. Desde el 2018 ha trabajado en la gestión de archivo de Roberto Ruiz Laverde, como encargado de su conservación, catalogación y divulgación. También ha trabajado en el diseño y producción artesanal de libros de artista y tesis de grado. Además, ha escrito artículos y capítulos para publicaciones académicas como parte de su actividad de investigación en distintas universidades. Hoy trabaja como investigador en el Instituto Pensar de la Universidad Javeriana.
Categoría Libro de artista: Consideraciones accidentales sobre la burocracia, el tiempo y todo lo demás
Consideraciones accidentales sobre la burocracia, el tiempo y todo lo demás es una serie de ensayos desde el arte, la ciencia y la experiencia personal de la artista sobre la incapacidad de la percepción humana para comprender cosas inmensas como el cosmos y sus tiempos, diminutas como el plancton y laberínticas como la burocracia. Desde Loki hasta el James Webb, pasando por Carl Sagan y la DIAN, el libro propone reflexiones que dialogan con un conjunto de piezas de la artista Pamela Loaiza Pérez.
Equipo editorial
Pamela Loaiza Pérez (Bogotá, 1995) Pamela Loaiza (Bogotá) es artista visual y docente de la Pontificia Universidad Javeriana. Magíster en Artes Plásticas, Electrónicas y del Tiempo de la Universidad de los Andes, su práctica transita entre el video, la instalación, las artes electrónicas y la investigación, con un interés constante en la fragilidad, lo perecedero, la memoria y el tiempo. Con frecuencia trabaja con material de archivo para construir relatos poéticos mediados por la tecnología y los medios. Ha recibido reconocimientos como el premio en Artecámara 2024 (ARTBO), y su obra Ruinas integra la colección del Banco de la República. De forma paralela, ha colaborado con bandas y eventos musicales en la creación de visuales en vivo para escenarios como Estéreo Picnic y Rock al Parque, entre otros. Actualmente forma parte del colectivo Combustión Espontánea, desde donde explora la improvisación visual a través de tecnologías híbridas: dispositivos en desuso, estrategias do it yourself y prácticas de circuit bending, concibiendo el concepto de “ensamble” como un cruce vivo entre imagen, sonido y experimentación.
pamelaloaiza95.wixsite.com/artistavisual/portafolio
Instagram: @pamelaloaizaperez
Julián Camilo García Castro. (Bogotá, 1990) Artista interdisciplinar, maestro en Artes Visuales (PUJ) y magíster en Artes Plásticas, Electrónicas y del Tiempo (Uniandes). Su obra explora poéticas y políticas del contacto y el afecto humano. Trabaja con video, dibujo, publicaciones y performance. Codirige La Jaula Publicaciones, editorial independiente con más de 25 títulos en circulación nacional e internacional. Hace parte del colectivo audiovisual Combustión Espontánea. un espacio de investigación alrededor de la imagen en vivo y su interacción con diferentes disciplinas artísticas. Ha participado como VJ en Rock al Parque, Jazz al Parque, FEP, entre otros. Docente en Uniandes y Utadeo.
https://cargocollective.com/juliangarcia
Instragram: @garciacastro.julian
Astrid Ávila. (Bogotá, 1988) Editora y periodista. Cofundadora de La Jaula Publicaciones, editorial independiente creada en 2016, con la que ha editado cerca de 15 libros, entre ellos Cráter (Tania Ganitsky y Jose Sarmiento), Los analfabetas (María Paz Guerrero y Alejandra Hernández), Algo blando en cada trámite (Juan Afanador y Ana Fino) y Algo hacen las manos (Sergio Román). También ha coeditado títulos de poesía política satírica, como Licuadoras luminosas y Me da un morbo una delicia. Ha escrito crónicas y perfiles para medios culturales y codirigió el reportaje televisivo Szavesta: las rockeras originales, sobre la primera banda de rock colombiano integrada por mujeres. Sus textos sobre música han sido publicados en internet y en varios libros impresos. Es bajista de una banda de heavy-punk y cultiva con paciencia su cariño por los discos en vinilo y por las publicaciones experimentales.
Instagram: @astridavila
Josué Cabrera. (Bogotá, 1996) Ha trabajado en diferentes eslabones de la cadena del libro colombiana, ha participado y fundado proyectos editoriales como Casa Barullo (2015) y la revista literaria digital ocho:treinta (2020). Recientemente ha colaborado en proyectos de escritura relacionados con artes con artistas como Cristina Velásquez y Maite Ibarreneche. Desde el 2021, es una de las libreras de NADA, en Bogotá, y dirige y edita la sección de recomendaciones de libreros, además de colaborar con la edición de las hojas de sala de exposiciones realizadas en este espacio. Se formó como literato en la Universidad de los Andes (2020) y además fue becario del programa Elipsis del British Council en Colombia en el 2019 como editor. Su paso por diferentes espacios dedicados a la comercialización de productos editoriales relacionados con la autopublicación o el arte le ha permitido familiarizarse con propuestas híbridas y novedosas del sector editorial colombiano.
Instagram: @josuenotieneig
Hernán Onofre. (Bogotá, 1999) profesional en estudios literarios y edición, ha trabajado como corrector de estilo en diversos textos académicos y narrativos tanto para impreso como digital. Dentro de sus intereses se encuentra la divulgación del conocimiento y la fotografía.
Instagram: silla_con_ropa
Categoría Publicación seriada: LOUTEK Magacín: Una revisión histórica de las tecnologías en el arte en Colombia. Vol. 1
¿Qué significa hablar de una historia de las bajas tecnologías desde una mirada contemporánea? Al mirar hacia atrás, aquello que hoy denominamos bajas tecnologías —las prácticas que se interesan por lo analógico, lo manual, lo ancestral o lo obsoleto— fueron, en su momento, la vanguardia y la innovación. Hacer historia de estas prácticas implica mirar desde un presente saturado de tecnología para reconocer en el pasado las genealogías de una sensibilidad que reaparece bajo nuevas urgencias ecológicas, políticas y materiales.
Este ejercicio histórico no busca fijar etiquetas anacrónicas: no se trata de afirmar que los artistas del siglo XX trabajaban deliberadamente con lo que actualmente consideramos como bajas tecnologías, sino de reconocer que muchas de sus búsquedas —alrededor del material, el objeto, la máquina o la técnica— abrieron caminos que hoy pueden releerse bajo esta categoría. Aunque en su época eran exploraciones con los recursos más avanzados disponibles, desde nuestra mirada contemporánea aparecen marcadas por una humildad tecnológica que contrasta con la abstracción digital y la automatización del presente.
En el contexto colombiano, prácticas como el arte conceptual, el arte cinético, el arte sonoro y el videoarte configuraron vínculos distintos entre el artista, el medio y el material. Revisar estas experiencias permite comprender modos alternativos de relacionarse con la tecnología y revela que la fascinación contemporánea por lo obsoleto, lo manual y lo análogo no es solo nostalgia, sino también una respuesta a un contexto de saturación tecnológica y desmaterialización.
Equipo Editorial
Director | Andrés Moreno
Andrés Moreno (1977) es artista plástico, fundador y director de Casa Hoffmann. A través de una exploración bidimensional y escultórica, investiga las dimensiones espaciales y los fenómenos del universo, así como las cuestiones filosóficas que surgen del estudio formalista. A partir de referentes de la física de partículas, la física cuántica, la arquitectura y la geometría, reflexiona acerca de la capacidad de representar múltiples dimensiones en un plano bidimensional. Asimismo, utiliza lo cinético para mostrar estos mismos fenómenos a través del movimiento en el ejercicio escultórico.
Realizó su licenciatura en Bellas Artes en la Universidad de Barcelona y obtuvo el Diploma de Estudios Avanzados en el programa de doctorado Pintura en la Era Digital: Afinidad y Especificidad por parte de la misma institución. Cuenta con un máster en Dirección de Arte y Estrategias de Comunicación de la Escuela Superior de Diseño e Ingeniería de Barcelona|ELISAVA. Estuvo vinculado como profesor del Departamento de Diseño de la Universidad de los Andes en Bogotá hasta 2023. Durante su carrera se ha desempeñado como artista, gestor e investigador. Actualmente, fue seleccionado para hacer parte de la delegación sudamericana de Pro-Helvetia en la edición de Ars Electronica 2024. Asimismo, ha sido invitado a dictar charlas y conferencias en distintos museos e instituciones internacionales.
Ha sido creador y director artístico de proyectos colectivos como LOUTEK (2023-2024), exhibido en Casa Hoffmann y en la Universidad EAFIT de Medellín; POST NATURE (2023), exhibido en NC Arte; CIBER ERA (2019-2021), exhibido en el Museo de Arte de Pereira y en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá; TECNOTRÓPICO (2018), elegido por la curadora Carolina Ponce de León para ser exhibido en la sección Artecámara de ARTBO. A lo largo de su amplia trayectoria destacan participaciones de sus propuestas tanto en muestras colectivas como individuales en diferentes galerías y museos. Adicionalmente, ha participado en ferias como Untitled, Art (2021), ARTBO|Feria Internacional de Arte de Bogotá (2019), Sluice Exchange Berlin Biennial (2018), Swab Barcelona International Contemporary Art Fair (2017), Exchange Rates | The Bushwick International Exposition de Sluice en la Galería The Buggy Factory en Nueva York (2016), y en el Pabellón Off Axis Colombia durante JUSTMAD6 (2015) en Madrid, España, entre otras.
Editora | María Camila Páez
María Camila Páez es historiadora del arte y arquitecta de la Universidad de los Andes (Bogotá), con un enfoque interdisciplinario en proyectos de urbanismo y arquitectura que se sensibilizan con el habitar y el territorio. Ha desarrollado proyectos de investigación centrados en el videoarte, la imagen, el cuerpo y la memoria en el contexto latinoamericano. Sus escritos han sido publicados en revistas académicas internacionales, como Daimon: Revista Internacional de Filosofía (2023) y Arte,
Individuo y Sociedad (2024), donde ha abordado temas de arte, arquitectura, filosofía e historia. En 2021, participó en el simposio del proyecto Museos para la paz, presentando su trabajo de grado titulado “La transhistoria de los olvidos: Iconomía de José Alejandro Restrepo”, una reflexión sobre el videoarte en relación con los procesos de memoria histórica en Colombia. Fue asistente de investigación en el proyecto Bauhaus Reverberada, una serie de eventos sobre la influencia de la Bauhaus en América Latina. Su perfil académico y profesional se sostiene en un enfoque crítico hacia la historia, el arte y la arquitectura, con el fin de generar diálogos y propuestas interdisciplinares que conecten lo conceptual con lo tangible, y lo pasado con lo presente. Actualmente, se desempeña como coordinadora de curaduría y proyectos en Casa Hoffmann, un espacio de exhibición e investigación dedicado a la producción, exhibición y divulgación de proyectos en arte contemporáneo.
Diseñadora editorial | Natalia Guzmán Castañeda
Natalia Guzmán es diseñadora industrial de la Universidad Nacional de Colombia (2019), ilustradora y artista en proceso. Su investigación Memorias gustativas del Amazonas, sobre memoria e identidad en torno al alimento, le permitió participar en diversos congresos en Latinoamérica. Ha explorado estos temas a través de la pintura, prosa y poesía. Finalista en el XVIII Concurso Internacional de Cuento Ciudad de Pupiales de la Fundación Gabriel García Márquez, y en el Mundial de Escritura de Argentina (2024). Su cuento La perra fue incluido en la Antología Nacional Relata 2023 del Ministerio de Cultura. Ha sido publicada en la revista Tinta y el periódico El Callejero. Seleccionada en los Talleres Distritales Ciudad de Bogotá de Narrativa Gráfica (2020), Novela (2022) y Cuento (2023). Forma parte de la Guía de Autores de Cómic Colombiano de Altais Cómics. Su obra continúa explorando la memoria, el amor y la muerte a través de la femineidad, utilizando una imagen onírica y surrealista creada por la pintura y la palabra.
Asistente de maquetación | Andrés Brand
Andrés Brand es un artista visual especializado en procesos fotográficos de la Universidad de los Andes (Bogotá). Le interesa la ilustración digital, el cine y los efectos especiales, el video mapping, los videojuegos, los medios electrónicos y las artes del tiempo, y tiene experiencia en procesos digitales y tecnológicos. Actualmente trabaja como creador audiovisual, fotógrafo, diseñador y asesor en museografía y montaje de exposiciones de arte contemporáneo.
ENSAYISTAS
LOUTEK: Una revisión histórica de las (bajas) tecnologías en el arte colombiano
María Camila Páez es historiadora del arte y arquitecta de la Universidad de los Andes (Bogotá). Ha desarrollado proyectos de investigación centrados en el videoarte, la imagen, el cuerpo y la memoria en el contexto latinoamericano. Su trayectoria académica y profesional se caracteriza por un enfoque crítico de la historia, el arte y la arquitectura, orientado a crear diálogos y propuestas interdisciplinarias que conecten lo conceptual con lo material y vinculen el pasado con el presente. Sus escritos han sido publicados en revistas académicas internacionales, como Daimon: Revista Internacional de Filosofía (2023) y Arte, Individuo y Sociedad (2024). Actualmente, se desempeña como coordinadora de proyectos en Casa Hoffmann, un espacio de exhibición e investigación dedicado a la producción, exhibición y divulgación de proyectos de arte contemporáneo.
Sofía Aguilar es magíster en investigación en arte y diseño por la Universidad Autónoma de Barcelona (EINA) y literata e historiadora del arte por la Universidad de los Andes (Bogotá). Sus investigaciones se han centrado en el arte indígena contemporáneo, la historiografía del arte en América Latina, y las prácticas curatoriales en la era digital. Desde enfoques interseccionales y decoloniales, propone diálogos entre discursos hegemónicos y aquellos situados en los márgenes, cuestionando las jerarquías y métodos tradicionales de la historia del arte mediante aproximaciones interculturales e interdisciplinarias. Actualmente investiga la cultura pop en internet, sus nichos y códigos, así como el impacto de la imagen y el gesto digital en la construcción de comunidad.
Sonido en el arte de los años setenta en Colombia
Julia Fernanda Bejarano López es artista y compositora de Bogotá, Colombia. Se ha interesado en generar experiencias de escucha permeadas por el estar/habitar poético entendiendo la escucha como forma de conocimiento y creación. Se ha dedicado a la composición de música electroacústica y acusmática. Explora los sonidos esenciales de la vida a través de la creación de dos espacios-tiempos: el concierto electroacústico y la instalación plástica. Ha mostrado su trabajo en Colombia, España, México, Francia, Bolivia, Perú, Italia, Cuba, Alemania, Países Bajos, Venezuela, Argentina, Uruguay, Estados Unidos y Panamá. Ha escrito los ensayos “Vida, escucha y creación sonora a partir del sonido ordinario de la respiración y del silencio y su relación con el arte”, en el
Cuadernos de Música, Artes Visuales y Artes Escénicas, Vol.12, Núm. 2, 2017; “Cuando niños, escuchando. Sobre la acción de jugar y la creación sonora”, en el libro El Arte Sonoro en Colombia, Universidad Antonio Nariño, Bogotá, Colombia, 2021; “La respiración del sonido” en Tsonami Ediciones, Chile, 2024; “Los resonadores primigenios: de la caracola a la cueva” en Ideas Sónicas no. 32: Los sonidos de la naturaleza del Centro mexicano para la música y las artes sonoras, México, 2024.
Discos de vinilo como materialidad plástica
Mauricio Bejarano es profesor, investigador y creador en música concreta y arte sonoro. Arquitecto de la Universidad Nacional de Colombia, con estudios en creación acousmática en el Groupe de Recherches Musicales (GRM). Ha participado en más de un centenar de eventos artísticos de música contemporánea y artes plásticas a nivel nacional e internacional. Ha sido invitado a estudios de creación y festivales de música electroacústica y arte sonoro en Alemania (Berlín), Argentina (Buenos Aires, San Juan), Austria (Viena), Bélgica (Bruselas), Brasil (Recife, São Paulo), Canadá (Montreal, Winnipeg), Ecuador (Quito), España (Baeza, Chodes, Madrid), Estados Unidos (Denton, Nueva York,
Stanford), Francia (Arras, Bourges, Crest, Lyon, París, Perpignan), Holanda (Ámsterdam), Italia (Roma), México (Ciudad de México, Puebla), Örebro (Suecia) y Uruguay (Montevideo). Se han publicado sus trabajos sonoros, musicales y escritos en Canadá (Diffusion iMédia), Ecuador (Centro Experimental Oído Salvaje), España (UNIA), Francia (INA-GRM), Holanda (Mind the Gap) y México (Centro Mexicano para la Música y la Creación y Diseño de Sonidos y Paisajes Sonoros).
Ha recibido premios en el 4o Concurso Internacional de Composición de Música Acusmática Noroit 95 (Francia, 1995); en el Primer Salón del Juguete (Bogotá, 1996); obtuvo la Beca Nacional de Creación en Arte Sonoro del Ministerio de Cultura (1996); el Premio Nacional de Composición (Ministerio de Cultura, 2003); premio en Arte Sonoro en la convocatoria internacional Madrid Abierto 2007; fue nominado y expositor en el VI Premio Luis Caballero (Bogotá, 2011); ganador del II Premio Bienal de Artes Plásticas y Visuales (FUGA, Bogotá, 2012); y ganador, con el colectivo Reactante, de la Beca Arte y Ciencia del Planetario de Bogotá (2015).
Raúl Marroquín: experimentación en un tiempo circular
Caridad Botella es licenciada en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid. Cuenta con una maestría en Museología por la Reinwardt Academie de Ámsterdam y otra en Estudios Fílmicos por la Universiteit van Amsterdam. Además, es maestra bordadora formada en la Escuela de Artes y Oficios Santo Domingo. Entre 2006 y 2011 fue directora de la galería Witzenhausen en Ámsterdam. Desde 2012 reside en Bogotá, donde se convirtió en madre de dos niñas, redescubrió una conexión profunda con la naturaleza y cultivó su pasión por el bordado. Es cofundadora y curadora de SINFONÍA TRÓPICO, una plataforma científico-artística con un fuerte enfoque
educativo, dedicada a temas como la pérdida de biodiversidad, la deforestación y el cambio climático en Colombia. Actualmente trabaja como curadora independiente, enfocándose en el arte textil, la naturaleza y los vínculos entre el arte y la literatura.
Feliza Bursztyn: un referente en arte y tecnología
Julia Buenaventura es Ph.D. en Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de São Paulo (USP), Brasil, con maestría en Historia, Crítica y Teoría del Arte y la Arquitectura de la Universidad Nacional de Colombia. Es historiadora y crítica de arte con foco en América Latina. Fundadora de la Escuela Concreta, realizó una investigación de posdoctorado en la Escuela de Comunicaciones y Artes de la Universidad de São Paulo (USP), Brasil, donde fue profesora en el área de posgrado e hizo parte del Núcleo de Pesquisa y Curaduría del Instituto Tomie Ohtake. Autora de los libros Polvo eres: el correr del tiempo (Ministerio de Cultura de Colombia, 2015) y En primera persona: seis pasajes sobre Feliza Bursztyn (Secretaría de Cultura de Bogotá, 2019). Ha colaborado en investigaciones y reflexiones de artistas como Adrián Villar-Rojas (Argentina), Magdalena Jitrik (Argentina), Darío Escobar (Guatemala), Juliana Góngora (Colombia), María Elvira Escallón (Colombia), Adrián Gaitán (Colombia), Rochelle Costi (Brasil) y Óscar Murillo (Colombia–Reino Unido).
Contemplar el residuo: una arqueología de las altas tecnologías en la obra de
Edelmira Boller
Daniela Cifuentes es historiadora del arte (Universidad de los Andes) con una maestría en Women’s Studies (Humanities) por la University of York. Su trabajo se centra en los estudios de género y el arte latinoamericano, con un interés particular en abordar las estructuras de invisibilización y marginación en el arte, al tiempo que busca visibilizar formas de agencia y la creación de otras maneras de hacer arte. Curó la exposición Mujeres en contravía, una selección de diapositivas antiguas que configuró un recorrido por la obra de artistas colombianas, muchas de las cuales han sido excluidas de la narrativa histórica oficial. Actualmente trabaja en la digitalización y catalogación del archivo de la revista ArtNexus, publicada por primera vez en 1969. También ha coordinado el archivo de Edelmira Boller, artista abstracta colombiana activa desde la década de 1970, cuya obra solo recientemente ha comenzado a ser reconocida. Su tesis de maestría se centró en la producción artística de Boller, entrelazada con el proceso de construcción de su propia casa. Además, ha trabajado con el archivo personal del artista Eduardo Ramírez Villamizar.
MATERIAL en descomposición (1986): frente a MATERIAL de Carlos Gómez
Victoria Melo es artista de la Universidad de los Andes. Con interés en el sonido, la escena expandida y la electrónica. Su trabajo se desarrolla a partir de la relación entre el cuerpo y el espacio, explorando procesos biológicos y sonoros como materia de experimentación. Es una de las fundadoras del Semillero de sonido experimental, un espacio de creación colectiva que busca fortalecer el archivo local y la sensibilización sonora.
Ian Toledo es artista de la Universidad de los Andes. Le interesa la fotografía, el diseño editorial y el arte sonoro. En su obra explora los espacios donde conviven imagen y palabra, las ficciones y el absurdo. Ha desarrollado proyectos con el Colectivo Pentaprisma y el Semillero de sonido experimental a cargo de Ricardo Arias.
Los sentidos expandidos de Sandra Isabel Llano Mejía
Jimena Peña Bennett es Ph.D. con tesis Cum Laude en Emprendimiento para Artistas Visuales por la Universidad Autónoma de Madrid y Magíster en Mercado del Arte por la Universidad Antonio de Nebrija, es consultora cultural y curadora de arte contemporáneo. Su práctica curatorial combina investigación y gestión artística para generar espacios colaborativos y experimentales entre artistas y públicos diversos. Concibe la curaduría como una herramienta para estimular la reflexión crítica y los
procesos de inteligencia colectiva. Ha coordinado programas artísticos en el espacio de innovación social ImpactHub Madrid, en Aecumad —la primera incubadora creativa de la ciudad— y en el Festival en Simultáneo de Videoarte Inmediterraneum, entre otros proyectos centrados en la co-creación. Cuenta con una trayectoria profesional polivalente: ha sido ejecutiva en una multinacional en Latinoamérica, emprendedora cultural con su proyecto ExpressArt, asistente freelance en galerías y ferias de arte en Madrid, y docente en maestrías de Gestión Cultural en las universidades del Rosario y EAN en Bogotá. Su leitmotiv es el intercambio intercultural, razón por la cual participa activamente en diversas redes internacionales. Es autora publicada sobre el ecosistema del arte y actualmente fundadora de Kontundente, desde donde impulsa consultorías en sostenibilidad para el arte y la cultura. Su práctica curatorial combina investigación y gestión artística para generar espacios colaborativos y experimentales entre artistas y públicos diversos. Concibe la curaduría como una herramienta para estimular la reflexión crítica y los procesos de inteligencia colectiva.
Presencia de biotecnologías en el génesis del videoarte en Colombia
Susana Restrepo Díaz es socióloga con énfasis en Filosofía, magíster en Historia del Arte y magíster en Artes plásticas, electrónicas y del tiempo. Especialista en historia de la fotografía, estudios de óptica y teorías de la visión del Renacimiento Global y del Siglo de Oro holandés, Susana participó durante diez años como joven investigadora del proyecto La Pirámide visual: evolución de un instrumento conceptual del grupo de investigación en Lógica, Epistemología y Filosofía de la Ciencia (PHILOGICA) de la Universidad del Rosario y la Universidad de los Andes. De esta trayectoria nace su
trabajo Mediaciones del modelo kepleriano en la pintura de los Países Bajos y su obra Mediaciones críticas. Fue curadora de las exposiciones Oír al Río (2023) en el Museo Casa de la Memoria de Medellín y Amazonía espiritual (2022) en el Planetario de Bogotá. Ha sido investigadora y gestora cultural en el sector público, así como guionista y asistente de producción en la Fundación Cine Documental. Actualmente, ejerce la docencia en la Facultad de Diseño y Arquitectura de la Universidad de los Andes. Recientemente, fue Research Scholar del programa Amazon Basin: Connecting Art Histories (2024–2025) del Getty Institute.
Antes del campo: una aproximación a los inicios de la electroacústica en Colombia
Dulce Ariadna Rodríguez es cantautora latinoamericana formada en la Academia Luis A. Calvo e historiadora del arte por la Universidad Jorge Tadeo Lozano. Su trayectoria se ha desarrollado en los campos de la investigación, la curaduría y la mediación cultural, con experiencia en museos, proyectos artísticos independientes y acompañamiento a artistas en procesos creativos. Ha trabajado como asistente de curaduría en el Museo Amaranto de la Universidad Externado, fue mediadora en el programa de educación del Museo de Arte Moderno de Bogotá, ha desarrollado proyectos curatoriales de forma independiente y fue productora de la iniciativa itinerante del Museo de Arte Moderno de Bogotá, MAMBO Viajero (2025). Es presidenta de la REDLEHA (Red Latinoamericana de Estudiantes de Historia del Arte), organización sin ánimo de lucro que busca construir una plataforma de diálogo y acciones conjuntas a nivel latinoamericano. La red está compuesta por historiadores del arte provenientes de 28 universidades de 11 países de Sudamérica. Desde allí, ha sido desde 2020 coorganizadora del Comité de América Invertida, un espacio dedicado a la exposición de investigaciones sobre arte en Latinoamérica. Su interés se centra en los cruces entre arte, memoria y prácticas culturales, con una mirada que articula lo académico, lo sensible y lo social, buscando constantemente que el arte y la cultura sean más accesibles para todos quienes habitan el mundo.
Los sonidos transgresores de Jacqueline Nova: de lo ancestral a lo electrónico
María Camila Páez es historiadora del arte y arquitecta de la Universidad de los Andes (Bogotá). Ha desarrollado proyectos de investigación centrados en el videoarte, la imagen, el cuerpo y la memoria en el contexto latinoamericano. Su trayectoria académica y profesional se caracteriza por un enfoque crítico de la historia, el arte y la arquitectura, orientado a crear diálogos y propuestas interdisciplinarias que conecten lo conceptual con lo material y vinculen el pasado con el presente. Sus escritos han sido publicados en revistas académicas internacionales, como Daimon: Revista Internacional de Filosofía (2023) y Arte, Individuo y Sociedad (2024). Actualmente, se desempeña
como coordinadora de proyectos en Casa Hoffmann, un espacio de exhibición e investigación dedicado a la producción, exhibición y divulgación de proyectos de arte contemporáneo.