Del 10 de septiembre al 2 de octubre de 2022, los artistas seleccionados por la invitación pública Exposición de Residencias en artes plásticas y visuales 2017-2021 mostrarán sus proyectos en la Galería Santa Fe.
Quiebre temporal
El quiebre temporal es la alteración del orden cronológico de los sucesos. Cuando se acerca produce un juego de saltos entre tiempos y espacios, traslada la acción al pasado, al futuro, al presente, al no lugar; el quiebre temporal interrumpe la narración brevemente, permite dar un vistazo a lo que viene, incentiva la quietud, un fenómeno que no figura en medios de comunicación como si lo hacen las lluvias torrenciales, inundaciones, tsunamis o terremotos. Sin embargo, para aquel que experimenta la fractura, la vida no vuelve a ser la misma.
Una residencia artística llama a la ruptura, es una exploración profunda e inmersiva que genera una pausa. Implica mirar con ojos nuevos el trabajo de años, sumergirse en un entorno diferente para concretar ideas. Mientras el mundo alrededor avanza igual que siempre, el residente se encuentra en estado de interrupción, dedicado a la obra, entregado a pensarla, vivirla, criticarla, definirla, moldearla y, a la vez, en una experiencia novedosa, que lo lleva a conectar con otros, construir desde las confluencias y el encuentro. Residir es entonces la búsqueda consciente por vivir el quiebre temporal.
Las residencias en artes plásticas y visuales, del Instituto Distrital de las Artes – Idartes, han buscado, desde 2017, momento en que se crearon las residencias en el Bloque Pedagógico del Parque Nacional, brindar espacios de creación artística y encuentro a creadores. Los proyectos ganadores son seleccionados por convocatoria pública, en varias modalidades: residencias en bloque distrital, que premia a artistas de la ciudad de Bogotá y zonas aledañas, con no más de cinco años de trayectoria artística; residencias en bloque nacional, que premia a artistas de diferentes regiones del país y los invita a trabajar en Bogotá; las residencias nacionales, que invitan a artistas bogotanos a residir en diferentes espacios culturales de la ciudad y otras ciudades de Colombia, entre otras. De esta manera, se ha creado un circuito, un trampolín, artistas en constante movimiento que producen sus obras desde diferentes rincones, intercambiando ideas y experiencias para la revitalización de las artes plásticas y visuales.
Esta exposición es la muestra del trabajo perfeccionado con los años. Diez artistas, que fueron residentes entre el 2017 y el 2021, mostrarán sus proyectos desarrollados en Bogotá, Barranquilla, Cali y Cachipay, Colombia; Cúa, Venezuela y Oaxaca, México. Ellos, que han vivido el quiebre temporal, presentan aquí el resultado de este alto.
Alvaro Enrrique Cabrejo narra un episodio donde lo documental se funde con la ficción y crea fábulas; Armando Enrique Ruiz devela el problema de los asesinatos extrajudiciales por parte de las fuerzas armadas del Estado venezolano; Laura Carolina Wiesner complejiza la relación con las aguas del río Magdalena; Daniela Acosta Parsons busca la posibilidad de crear conocimiento histórico a través de la ficcionalización de la historia; Jenniffer Ávila crea medicina ilustrada para sanar las múltiples heridas de la colonialidad patriarcal; Jerson Murillo desmitifica y cuestiona las narrativas sobre el hambre y la escasez; Freddy Clavijo detona diferentes potencias poéticas que subyacen en el contexto; David Escobar alude a esos espacios que, como el lenguaje, se habitan en movimiento; Luna Aymara de los Ríos, explora la representación pictórica femenina de “hacer justicia por mano propia” y Laura Magdiel Escobar se pregunta por la irrupción, por el pasado y el futuro como fenómenos históricos y, sobre todo, por la la posibilidad de un futuro. Ahora se encuentran aquí, en este espacio expositivo, cada uno con sus proyectos que nos hablan del archivo, de la memoria, de la ficción, del pasado, el presente y la discontinuidad.
Sobre lxs artistas y sus obras:
Las ondas que perduran
Fredy Clavijo Cuartas
Residencia Museo La Tertulia, Cali, Colombia
El proyecto Las ondas que perduran, fue desarrollado en el Museo La Tertulia de la ciudad de Cali, en el 2021. La propuesta consistió en intervenir con cerámica para piscinas y un pasamanos de metal, una piedra de río Cali hallada en las inmediaciones del Museo. Posteriormente la piedra intervenida se ubicó en la fuente de agua que se encuentra en los jardines de dicha institución. Este gesto, tuvo la aspiración de detonar diferentes potencias poéticas que subyacen en el contexto en el cual fue edificado el Museo La Tertulia, estableciendo conexiones con la memoria del lugar, el cual fue conocido por muchos como el charco del burro, un balneario natural al que acudían los lugareños para desarrollar sus actividades de ocio y esparcimiento. Este charco desapareció debido a las reformas urbanas que reconfiguraron el cauce del río Cali, para realizar los acondicionamientos de la conocida avenida Colombia, lo que
permitió el relleno del sector para sedimentar las bases del Museo.
Sobre el artista
Fredy Clavijo Cuartas nace en la ciudad de Pereira, Colombia, en 1977. Es egresado de la Universidad Tecnológica de Pereira (2003). Su trabajo se ha presentado en varias exposiciones colectivas tanto a nivel nacional como internacional. Ha obtenido durante su carrera varios premios y reconocimientos como: el Proyecto de creación Obra viva del Banco de La República (2022), fue seleccionado para la Bienal de Bogotá (2022), el Reconocimiento del 17SRA (2020), ganó la Beca de investigación y creación de la Secretaría de cultura de Pereira (2019) y el Premio Artecámara Artbo (2017).
Redes sociales:
Instagram: @fredyclavijocuartas
Página web: http://www.fredyclavijo.art/
Nosotros el Sur: hambre, epidemia perenne
Jerson Murillo González
Plural Nodo Cultural, Bogotá, Colombia
Nosotros el Sur: hambre, epidemia perenne es el proyecto ganador de la Residencia Nacional en Artes Plásticas y Visuales en Plural Nodo Cultural (2021), un proyecto que busca desmitificar y cuestionar narrativas sobre el hambre y la escasez y sobre cómo las personas que las padecieron, en tiempos de pandemia, en Bogotá, crearon mecanismos de adaptación a la situación. Este proyecto fue desarrollado en el espacio Plural Nodo Cultural a través de talleres de cocina, bordado, dibujo y otros. Así como, indagaciones y procesos de creación colectiva, en los que participaron vecinos de diferentes zonas de Bogotá, del barrio San Felipe y su circuito artístico. Las preguntas orientadoras que detonaron las discusiones e intercambios fueron: ¿cómo se siente el hambre?, ¿cómo se representa el hambre?, ¿cómo izar las banderas del hambre?, entre otras.
Sobre el artista
Mi proceso formativo inició en el Centro de formación artística CREA Meissen de IDARTES en 2016, donde se creó un colectivo de artes plásticas llamado Rattlesnake Collective. Siendo parte de este, realicé una residencia artístico-pedagógica en el Museo de Antioquia, llamada Estómago en conjunto con el colectivo El honorable cartel y el programa educativo del Museo llamado Diálogos con sentido. Allí trabajé en la experiencia de serigrafía comestible donde imprimí comida (cosas planas como obleas, arepas, etc.). A nivel personal, a finales del 2018, hice un tour de esta experiencia por Ciudad Bolívar. En marzo del 2019, con la obra Futuro entre pobreza, fui uno de los 90 artistas seleccionados de la convocatoria del programa de formación de ARTBO y Cámara de Comercio, que me permitió exponer en ARTBO: Sala Kennedy. Así mismo, gané la Beca de Creación de Proyectos CREA 2019, en la Categoría Creación – Producción de obra o experiencia, con mi libro Jaetzon (Personal Collection). Actualmente, curso el Programa Curricular de Artes Plásticas de la Universidad Nacional de Colombia y, en 2021, mi proyecto Nosotros el Sur: hambre, epidemia perenne fue ganador de la Residencia Nacional en Artes Plásticas y Visuales, categoría Plural Nodo Cultural.
Redes sociales:
Instagram: @JersonMurilloLIVE
Los mandatos de la abuela Agua
Jenniffer Ávila Jordán
Residencias en Bloque Convocatoria Nacional, Bogotá, Colombia
Este proyecto se realizó desde la práctica decolonial, aprendida por más de diez años, de caminar/vivir entre Cali y los territorios de los pueblos originarios del Cauca y otras regiones del país. Los mandatos de la abuela Agua son medicina ilustrada para sanar las múltiples heridas que la colonialidad patriarcal impone sobre la mujer y la ciudad, así como los sentidos y significados de la feminidad, su lugar, su tiempo, símbolos y modos. Son ilustraciones de la mujer, la feminidad del agua y su dimensión político-ambiental, desde los modos propios en los que la mujer y el agua fluyen, resisten y son fundamento de vida. Son resultado del palabreo y el caminar con las mayoras, vinculadas a las riberas y humedales, en la ciudad de Bogotá, futuro ambiental de esta ciudad y del organismo global que es el planeta y las prácticas entretejidas desde y para los territorios.
Sobre la artista
Autodenominada Phuyu Uma, que significa del idioma runasimi ‘La nube de la montaña’, nombre ancestral y espiritual dado hace más de diez años por las y los mayores indígenas en una ceremonia ancestral en una de las lagunas en las montañas del Cauca. Su nombre occidental Jenniffer Ávila Jordán, caleña del barrio ciudadela Floralia. Su proceso artístico ha consistido en la investigación-creación colectiva junto a pueblos originarios en contexto de ciudad y otrxs artistas. Hace parte desde su fundación del Consejo Ancestral Willka Yaku, que ha logrado entretejer la ciudad y el territorio a través del fortalecimiento de los saberes, prácticas y tecnologías ancestrales, que se enraízan desde las celebraciones ancestrales del calendario agro-cultural propio de los pueblos originarios de los Andes, como lo son el Inti Raymi, Killa Raymi, Kapaq Inti Raymi y Pawkar Raymi; las ceremonias de pagamento y armonización en lugares sagrados de todo el país, desde la Sierra Nevada de Santa Marta, hasta el Chiles y Cumbal; y, finalmente, el palabreo como pedagogía comunitaria propia, como centro de estudios críticos de las leyes de origen, leyes Naturales, derechos y deberes de origen, o interculturales.
Redes sociales:
Instagram: @phuyu_uma_art
Facebook:Phuyu uma art
Plan conejo
Daniela Acosta Parsons
Residencias en Bloque Convocatoria Distrital, Bogotá, Colombia
Los conejos son animales crepusculares y ambivalentes. Son símbolo de fertilidad y de la muerte. Son portales para viajar a otras dimensiones y tenían el don de fabricar la vida eterna. El proyecto Plan conejo busca la posibilidad de crear conocimiento histórico a través de la ficcionalización de la historia. Se usan documentos y hechos históricos reales para crear una narrativa alterna. La experimentación, la crueldad, la devoción, la tecnología de punta, los dioses antiguos y el dibujo como médium, indican el camino para huir hacia otro lugar.
Sobre la artista
Daniela Acosta Parsons es artista plástica e historiadora y Magíster en Artes plásticas, electrónicas y del tiempo con distinción tanto en pregrado, como en posgrado de la Universidad de los Andes. Ha expuesto en Colombia, Canadá, Reino Unido, España y expondrá en Japón y Francia en lo que viene del año. Ha ilustrado Poemas Cotidianos para Ediciones Vestigio y Doméstico de la editorial La Pájara Pinta. Actualmente se encuentra trabajando en Plan conejo, su primera exposición individual y en un libro para Babel Libros y otro para Máquina Abierta Editorial.
Daniela basa su obra en el dibujo. Procura que la percepción del espacio y el estado emocional del sujeto se expresen a través de la luz, la atmósfera y la extrañeza de las imágenes. Busca que el espectador recuerde emociones o vivencias personales y que esta identificación de pie al diálogo sobre el dolor y el cuidado. Sus intereses de investigación giran alrededor de la producción de conocimiento, el dolor, la enfermedad mental, la violencia y las formas en las que se pueden reparar los lazos con otros tras la vivencia de experiencias traumáticas.
Redes sociales:
Instagram: @daniela.acosta.parsons
Facebook: Daniela Acosta Parsons Artist
Ejecuciones
Armando Ruiz Ramírez
Residencias el Avíspero, Cúa, Venezuela
El proyecto Ejecuciones aborda el problema de los asesinatos extrajudiciales por parte de las fuerzas armadas del Estado venezolano. En la investigación que he venido realizando, desde el año 2017, he logrado registrar 1318 casos de personas ejecutadas bajo categorías
como: “resistencia a la autoridad”, “muerte en presunto enfrentamiento” o “bajo averiguación”, estas esconden una buena parte de las ejecuciones extrajudiciales. El Estado venezolano no publica registros o cifras oficiales en relación al problema, la desinformación y la negación por parte del mismo ayudan a que no se visibilicen, el Estado a través de los órganos de seguridad ciudadana se ha encargado de amedrentar, perseguir, censurar a las organizaciones que investigan el problema.
Sobre el artista
Armando Ruiz Ramírez nació en Barranquilla, Colombia, en 1983. Su obra reflexiona alrededor de la violencia como práctica del ser humano, le interesa observar en el contexto en el que se mueve constantemente (Colombia – Venezuela) cómo la violencia transita desde lo individual y privado hasta lo político y público. Sus ideas se apoyan en diversos lenguajes artísticos como la escultura, los libros de artista, el video, el performance, la fotografía y la instalación. Ha obtenido reconocimientos como ganador en la categoría fotografía en la cuarta convocatoria de estímulos de la secretaría de Cultura de la Alcaldía de San José de Cúcuta (2021), la Residencia internacional en artes plásticas del Instituto Distrital de las Artes de Bogotá (Idartes) en El Avispero Artist Residency, Cúa, Estado de Miranda, Venezuela (2019), la Residencia Artística en Vila Flores espacio cultural, Porto Alegre, Brasil (2017), la Residencia Artística en Plataforma Caníbal de la Fundación Divulgar en Barranquilla, Colombia (2017), entre otros.
Redes sociales:
Instagram: @armando_ruiz_ramirez
Conocí un viajero de tierra antigua
Alvaro Enrrique Cabrejo
El Parche, Bogotá, Colombia
El proyecto se funda en una colección de objetos, documentos e indumentarias que evidencian la presencia de imágenes, imaginarios e imaginaciones ligadas a procesos de colonialismo y exotismo. A partir de estos, se constituyen unas escrituras gráficas y siete gestos performativos asociados a un traje y un set. Estas estrategias establecen una gramática particular para asumir, portar, performar y ser el archivo. Es decir, constituir una performance documental, performar el documento.
Sobre el artista
Artista plástico de la Universidad Nacional de Colombia (2022). En su práctica artística plantea formas de apropiación crítica de metodologías de la arqueología experimental, la historiografía y la imagen en movimiento para conformar un hacer-pensar plástico. Esto, como procedimiento para fundar gramáticas particulares a partir de construir y desplegar repertorios a modo de atlas en torno a las imágenes, las imaginaciones y las fabulaciones presentes en archivos, territorios y contextos específicos. Proponiendo así operaciones poéticas de escritura transmedial fundamentada en nociones expandidas del montaje y la performatividad que dan lugar a actos de reconocimiento, re-creación y refundación.
Ha realizado exposiciones, intervenciones en espacio público y proyecciones en Colombia desde 2015. Entre estas destacan Giro gráfico. Como en el muro la hiedra, Museo Reina Sofía (2022); Días del Futuro Pasado, Galería Santa Fe (2021); Conocí un Viajero de Tierra Antigua, El Parche Artist Residency (2020); el Primer Salón Nacional de Arte Universitario, Universidad de los Andes (2019); Des-márgenes, Universidad Javeriana sede Bogotá (2018) y Deslizadores. Esbozos sobre el video, Sin Sala (2017), entre otras.
Redes sociales:
Instagram: @alvaro.cabrejo
Página web: https://www.behance.net/AlvaroCabrejo
Tiempo de perros mudos
David Escobar Parra
Laboratorio de Oaxaca, México
El proyecto Tiempo de perros mudos es una video instalación de cuatro canales en la que personajes en traje forense interpretan, a través de la danza, un poema silbado. La danza rememora rituales del territorio y alude a esos espacios que, como el lenguaje, se habitan en movimiento. Los sonidos del poema silbado invitan al visitante a sumergirse en la experiencia de un mundo que no se puede entender del todo, para que cada uno realice su propio ejercicio de traducción.
Sobre el artista
Su trabajo sigue el hilo de las signaturas,por medio de la lectura atenta de unos ficheros y de lo que acontece en el mundo, haciendo asociaciones que saltan entre dos o más imágenes o entre conversaciones que le dan pistas sobre unas rutas de investigación que se abren y dan cuenta de climas políticos y tensiones ideológicas. Ha realizado exposiciones individuales desde 2010 y participado en exposiciones colectivas desde 2002 en Colombia, España, Argentina, Brasil, México y Taiwán.
Entre sus exposiciones individuales se encuentra Tiempo de perros mudos, Museo de Arte Moderno de Medellín (2020); MIAMI anticommunist capital, MIAMI Prácticas Artísticas (Bogotá, 2017). Ha participado en exposiciones colectivas como el 45° Salón Nacional de Artistas (Bogotá 2019); Pacific Pirate by RRD, Kuandu Museum of Fine Arts (Taipei 2019); Una línea de polvo, Museo de Arte de Pereira (2019); y Frente à Euforia, Oficina Cultural Oswald de Andrade (São Paulo 2015). Fue seleccionado para Cineautopsia 5° Festival de Cine Experimental de Bogotá (2019) y FIVA 9° Festival Internacional de Videoarte (Buenos Aires 2019). Ha participado en programas de residencia como Campo Garzón (Uruguay 2021), Laboratorio Oaxaca (2019), Residencia Artística Colombia-México FONCA (Ciudad de México 2018), entre otros.
Redes sociales:
Instagram: @davidescobarparra
Página web: https://davidescobarparra.wordpress.com/
Las decapitonas
Luna Aymara De Los Ríos
Residencias en Bloque Convocatoria Nacional, Bogotá, Colombia
Más de quince pinturas componen hasta el momento la serie Las decapitonas, que explora la representación pictórica femenina de “hacer justicia por mano propia”: mujeres que toman acciones concretas contra sus victimarios, apelando a la propia fuerza – o relación con la naturaleza-, prescindiendo de la obtención de justicia por parte de un Estado inoperante, lo que remite al marco cultural colombiano.
La investigación reinterpreta lúdicamente las escenas violentas protagonizadas por mujeres que hacen parte de la memoria histórica y artística Judit y Holofernes, de Caravaggio, y trazan un diálogo entre el lenguaje “refinado”, el valor de la “belleza”, lo “justo”, lo “bueno” y el lenguaje “popular” de la cultura colombiana, donde múltiples manifestaciones estéticas abordan de manera coloquial el ajusticiamiento femenino contra el hombre; como en la cumbia Le cortaron la cosa, de Lizandro Meza.
Sobre la artista
Nacida en Medellín en noviembre de 1986. Antropóloga de la Universidad de Caldas. Magíster en Estética y Creación de la Universidad Tecnológica de Pereira. Artista visual independiente, investigadora y docente universitaria. Vivió su niñez en Quinchía, zona rural de Risaralda y después residió en varias ciudades de Colombia, lo que influyó en la construcción de su perspectiva estética: un contraste entre las categorías de “lo andino, lo montañero” y “lo citadino”. Los temas que trata en su obra, en general, están relacionados con el juego, el azar y los diversos dilemas personales que determinan las relaciones entre individuo (muchas veces femenino) y sociedad. Aborda en sus investigaciones recientes temas de género y poder.
Redes sociales:
Instagram: @lunaaym
Aviso del terremoto
Laura Magdiel Escobar
Relámpago, Bogotá, Colombia
Aviso del terremoto es un proyecto que abraza los acontecimientos de Luces de terremoto y Somos el terremoto. Es una superposición de capas: carteles con frases recogidas durante mediados del siglo XX que definen el terremoto y, a su vez, parecen imágenes de las tragedias que ha traído la guerra al territorio colombiano. Carteles, librillos, papelitos e impresos de gran formato que proclaman una identidad ambigua y abierta dirigida por las manifestaciones sociales y por la conciencia de pisar siempre un territorio geográfico que está también en movimiento, que respira. Aviso del terremoto es una pregunta por la irrupción, por el pasado y el futuro como fenómenos históricos y también, sobre todo, es la apertura a la posibilidad de un futuro movimiento de masas.
Sobre la artista
Laura Magdiel Escobar vive y trabaja en Bogotá. Hace arte, escribe, dibuja, investiga, produce proyectos, enseña y cocina. Su trabajo ocurre entre las artes visuales, la escritura y muchas intuiciones sobre la presencia, la voz, la comida y la juntanza. Se guía por un interés intenso y concienzudo sobre el tiempo y la manera en que lo percibimos y nos condicionamos a esa percepción, desde lo físico hasta lo sociopolítico; mediado por la observación detallada de fenómenos naturales que son testimonio de su curso y que, en paralelo, afectan la manera en la que nos relacionamos con el mundo y las demás personas. Laura estudió en la Universidad Jorge Tadeo Lozano de Bogotá e hizo su maestría en la Universidad Nacional de Colombia. Durante los últimos años, sus proyectos: Aviso del terremoto, Bienvenidos al futuro, La anarquía explicada a los niños y Doble relámpago han sido merecedores de estímulos y becas de residencias del Ministerio de Cultura de Colombia, el Idartes y el Museo de Arte
Contemporáneo de Massachussets (Mass MoCA). Actualmente es profesora en los programas de artes de la Tadeo y Javeriana y de la maestría en Escrituras Creativas de la Universidad Nacional. También, es parte de todoestamal, un colectivo de arte y comida junto a Cristina Consuegra, María Buenaventura, Elena Villamil y Luisa Ungar, mientras, en simultáneo, trabaja en colaboración con editoriales y proyectos colectivos independientes en Estados Unidos y Colombia.
Redes sociales:
Instagram: @lauraes__
Instagram: @avisodelterremoto
Río/Radio correspondencia anfibia
Laura Carolina Wiesner
Residencias Caníbal, Barranquilla, Colombia
El proyecto Río/Radio correspondencia anfibia navega en la cuenca baja del Río Magdalena. Entre la orilla y la barca, busca complejizar la relación con sus aguas, a partir de la escucha y el intercambio de relatos y sonidos endémicos, parando la oreja a las historias de la gente, a los mitos, a los cantos de las aves, las movidas de la subienda, los lamentos de las pérdidas… En esta ocasión se disponen en escena tres piezas sonoras tituladas: RíoMar, Suave y Bruta, y Río de los Cielos; que los espectadores podrán escuchar de manera íntima al vaivén de la hamaca, contemplando los rastros de las ramas de un árbol, con el acompañamiento de una serie de dibujos y un video que relata el proceso de creación.
Con el fin de imaginar el río como la señal de una radio que se expande por el país y propaga sus ondas en el agua, penetra la tierra y al mismo tiempo se eleva por encima nuestro, la artista propone activar en la noche del 17 de septiembre un Dj y Vj set de cumbias y bullerengues, mientras transmite en vivo algunas de las historias de los bailes cantados y de los saberes orales del Caribe colombiano; exponiendo en vivo, la colaboración con artistas del folclor local como Olivia Gómez y de música electrónica como Nicolás Jaar, quien compuso un tema exclusivo en esta correspondencia anfibia.
Sobre la artista
Laura Wiesner es artista interdisciplinar, Magíster en Teatro y artes vivas y artista plástica de la Universidad Nacional de Colombia. Investiga las artes en el campo expandido. Le interesan las prácticas artísticas fronterizas, inter y transdisciplinares. Sus lenguajes de creación rondan la voz, las artes escénicas, la performance y las artes sonoras. Desarrolla procesos de creación colectiva en torno a escenarios ampliados del arte, a partir de preguntas propias acerca de la escritura y la oralidad, la voz y la escucha, la memoria y la comunidad. Desde el 2015 investiga con su proyecto colectivo Radio bestial, formatos transmediales y experiencias inmersivas. También hace parte del grupo de investigación Pensar Sonido, de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Colombia y del equipo base de la Red de Artes Vivas, plataforma independiente que apoya las prácticas artísticas inter y trans disciplinares en Iberoamérica. Su trabajo ha circulado en Bélgica, Argentina, España, Portugal y México.
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